这10位日本当红艺术家，你知道几位？

日本作为高度现代化的国家，当代艺术也处于亚洲国家的前沿。提及当代艺术家，草间弥生，村上隆与奈良美智是无法绕过的名字，他（她）们又被称为“日本当代艺术三剑客”。艺术家们凭借其非传统技术和非凡的创造力，与日本本土的文化风潮结合，形成了独特的文化艺术现象，并在全世界掀起波澜。

日本当代艺术三剑客

草间弥生

草间弥生是全球身价最高的女性艺术家之一，也是日本的国宝级艺术家。一袭亮红色假发和风格奇特的波尔卡点式套装，让她成为辨识度最高的艺术家之一。

草间弥生作品

在2016年《时代》评选出100位最具影响力人物，草间弥生是唯一入选的视觉艺术家。她以极具感染力的前卫艺术创作、极富传奇色彩的艺术人格，风靡世界达70余年。草间弥生以其卓越的艺术天赋游走于绘画、雕塑、版画、装置、行为艺术和文学等众多艺术领域，其作品融合了超现实主义、极简主义、波普艺术、零社和虚无运动等多种艺术风格，无法简单归类，亦不可模仿。

2019“草间弥生：爱的一切终将永恒”展览现场

草间弥生究竟有多圈粉？她的艺术品在市场上总拍卖价值，从93万多美元增长到3545万美元。她的作品《无限镜屋》，共有16万人进行观看，每人的观看时间只有 45 秒……2019年，草间弥生90岁了。她的最新个展“爱的一切终将永恒”正在上海复星艺术中心展出，不同于常人不可理解的执着与能量一直在她身上。

村上隆

艺术就一定得跟金钱撇得干干净净的么？村上隆可不是这么想的，“通俗”、“商业”、“幼稚”…… 这些艺术家们避之不及的标签，村上隆却一个个地往自己的身上贴。

村上隆作品

在艺术中，村上隆第一个开创了术语：“超扁平”来描述日本艺术美学及文化，包括对消费主义及性恋物癖的影响。“超扁平”不仅融合了雅俗文化，甚至突破了次元墙，彻底打破两者间的壁垒。

村上隆，727，1996

作为日本新一代年轻人的偶像，同时还成为了“新波普艺术”的领军人物。村上隆将安迪·沃霍尔看作这种游戏规则的典范，沃霍尔玩世不恭的姿态由村上隆全盘继承，以至于他被称为“日本的安迪·沃霍尔”。

奈良美智

大头小女孩、梦游娃娃、白色的狗……这些辨识度极强的作品使奈良美智成为了当今日本最受欢迎的艺术家之一。但为何会画那样的人物，为何眼睛长成这样，连画家本人也不知道。“如果我有意识地创作，画出的人物就会漂亮很多。但是由于不带意识，所以这些人物有可能会很真实。真实的东西不需要理由。”奈良美智说。

N'S YARD外景

2018年3月，奈良美智个人美术馆正式开放，美术馆名为N'S YARD ，位于“明治森林-黑色之路”北侧，这是明治时代外务大臣青木樱的私人别墅。整个建筑拥有5个展厅，一家咖啡馆和一家衍生品商店。展厅内陈列画家各个时期的作品，其中也包括未公开的那一部分。

奈良美智，The Girl with the Knife in Her Hand，1991

从1995年至2013年，奈良美智的作品逐渐出现在纽约、伦敦、香港、巴黎等重要的艺术品交易中心，价格飙升了50多倍，成为拍卖场上的宠儿。在国际艺术界，奈良美智与村上隆、草间弥生齐名，被视为最重要的日本现代流行艺术家之一。在Artprice发布的《2017当代艺术品报告》中，当代艺术家拍卖总成交量奈良美智位列第六，第一名是他的好朋友村上隆。

随着时代的演进，当代艺术也朝着多元的趋势递进，无论是批评家、策展人还是收藏家，无时无刻不在寻找下一位可以创造奇迹的艺术家，这种搜寻不会间断。而以下这十位艺术家以非正统的想法和愿景影响着日本当代艺术的发展。

杉本博司

“摄影界哲学家”、“现代美术家”、“建筑师”、“古董收藏家”、“最后的现代主义者”……一个个标签描述的，正是这位日本艺术家——杉本博司。

杉本博司，Carpenter Center，1993

上世纪七十年代，杉本刚到纽约时还是个学生。在成名前，他开着他的大众房车作摆渡人，也往来日本与美国之间做古董生意。而今已71岁的他，是日本当代最著名的艺术家之一。他的摄影作品巡回出现于世界各大知名美术馆，获得了国内外极高的认可度。

杉本博司，Union City, Drive-In, 1993

在杉本博司的作品中，记忆、流逝的时间、缥缈的梦想以及对历史的怀念和敬重都是贯穿他摄影的主题线索，并且在这些主题中，他又透过镜头加入自己的思考，追溯历史，寻求源头，想探寻时间本质，打开了一道又一道通往“回忆”、“时间尽头”的东方哲学思想的大门。

小野洋子

约翰·列侬曾经评价小野洋子是：“世界上最著名而不为人知的艺术家：每个人都知道她的名字，可没有人知道她做了什么”。在列侬的巨大光环下，她的艺术成就却被“列侬的艺术遗产”的说法禁锢。

《看天空》，2015，林冠艺术基金会

小野洋子在先锋艺术界是一个标杆，2009年她获得了威尼斯双年展最高金狮奖，她卓尔不群的现代艺术作品和对前卫艺术的长期探索其实受到艺术界的肯定。爱、和平、裸露是小野洋子艺术创作的一贯主题，她的艺术理念挣脱了种种外在物质的束缚，强调主观的，冥想而得的品质。

森万里子

森万里子自1990年代中期开始享誉欧美，其作品已列世界各地的博物馆和私人收藏家的藏品之一。通过摄影、数码艺术和装置作品积极研究生命、死亡、灵性、现实和科技之间的交汇点, 她那宽银幕式的、技术含量很高的当代作品和形象，使她被公认为本世纪“新人类”艺术的典范。

森万里子，太阳柱，户外雕塑，2011

森万里子1967年出生在日本东京的一个富裕家庭，祖父是著名的森大厦株式会社的创始人，名下有诸多文化产业，包括东京知名的艺术中心——森美术馆。父亲也是享誉业界的房地产商。在她的成长过程中，家族的艺术熏陶功不可没。戏剧化、特定装扮、精心布置的场景，构成森万里子创作的重要元素，她通常将自己装扮成奇特但优雅的科幻人物，并在幻想般多变的作品中探索着过去、传统、现在、当代生活和未来。

盐田千春

由拉伸和缠绕的纱线构成的密集交错的蛛网状结构，是日本当代女艺术家盐田千春的标志性符号。

盐田千春，手中的钥匙，2015，日本馆，第56届威尼斯艺术双年展，意大利

盐田千春1972年生于大阪，1996年于京都精华大学油画系毕业后赴德深造，先是进入汉堡美术学院，1997~1999年转至布伦瑞克美术学院玛丽娜·阿布拉莫维奇门下。从她此时以“泥土”和自己的身体为载体的行为艺术中，可以看出导师对她的影响。

盐田千春，生命之流， 2017，上海当代艺术馆，中国

对于盐田千春来说，线的纠结缠绕是一种对于情感或人类关系的视觉化隐喻。盐田千春是一位精神上的游牧诗人，她在自己亲手编织的一个个“神话”中越走越远。但即便她一再强调自己的国际化身份，却始终有一条看不见的线将她与东方美学观联结在一起，这是一种天然的亲缘关系。

池田亮司

池田亮司是日本电子音乐创作方面的领军人物，也是当今极微电声界最重要的声响艺术家之一。

池田亮司作品

20世纪90年代中期，他开始在音效和视觉的国际领域内受关注，音乐、时间和空间在他的作品里被重新以数学方法塑造和表现，代表作Datamatics（2006～现在）和Formula（2000～2006）被评论界认为是极简主义理念在音乐中的延续和体现。

池田亮司的作品test pattern在纽约时代广场呈现

他通常从细微处入手研究超声波学，频率学和声音本身的基本特性。在其创作中，音乐、时间和空间被重新以数学方法塑造与表现。池田亮司将声音视为一种“感觉”而非物理现象来研究，试图展现这种感觉与人类感知之间的关系。

宫岛达男

作为日本重要的当代艺术家之一，宫岛达男凭借其深度诱人的且为科技驱动的装置、雕塑和录像作品，以及他的三个原则“不断变化、连接万物和持续永恒”而广为人知。

《Time Waterfall》效果图

巴塞尔艺术展与ICC联合呈现宫岛达男最新大型公共光影装置作品《Time Waterfall》，投射高达490米的外墙上。

宫岛达男在1987年发现了发光二极管，也就是俗称的LED，并以这种简单的媒介创作，传达他的艺术概念，立刻受到国际艺术界关注。他的作品似乎始终在探讨生命、死亡、时间、历史、沿革等抽象而迷离的题材。

宫岛达男，时空，2019

在即将到来的5月，上海民生现代美术馆将推出展览，“宫岛达男：如来”，此次展览也是艺术家迄今为止的最大规模个展，展览梳理了艺术家三十年以来的创作，展出了自1988年以来每个阶段代表性的LED装置作品以及行为作品。此外，展览更将呈现艺术家为本次个展特别制作的巨型LED装置“时间瀑布”，以及行为作品“时间皮肤”。

名和晃平

作为新一代日本艺术家的一份子，名和晃平的作品帮助世界从某种更为微妙角度理解日本艺术及流行文化，超越了甜美动漫风的文化刻板印象。

名和晃平，BIOTA

名和晃平从京都艺术大学毕业后，曾入伦敦皇家艺术学院研习雕塑，2007年借助日本老牌画廊“澡堂”（SCAI）的推动，名和晃平以Pixcell 雕塑系列在国际上名声大噪，成为继奈良美智和村上隆后日本新生一代艺术家的代表。

名和晃平，PIXCELL-DEER

其最为人熟知的作品“PixCell”系列。由“玻璃珠”构成的动物雕塑充满了梦幻迷离的色彩，他本人将这种独创的雕塑材料称之为“PixCell”，混合了“相素”与“细胞”的双重含义：像素是图像的基本单位，而细胞是生命的起点。透过“细胞”，标本的细节被无限地放大、扭曲。它们既通过折射原理对外部展现着更多的细节，又以自身为固定的标本注入更多的变化与活性基因。

加藤泉

加藤泉因其标志性的原始“人”形作品著称，他以手代笔绘作，近似胚胎抑或原始部落图腾的殊奇人像，与土木共融，躍然而出。藉由穿插进行的平面与立体创作，把力量、诙谐、稚趣等众多元素渗透其中。

“加藤泉”展览现场，红砖美术馆，2018

2000年起开始受外界注，被评为创新艺术家，2007年更参加第52届威尼斯双年展。2018年，位于北京的红砖美术馆举办了艺术家的中国首展，展示了艺术家过去十年中创作的50余件作品，包括为展览全新定制的织物系列《无题》（2018）及其在红砖美术馆园林区中的驻地创作。

“加藤泉”展览现场，红砖美术馆，2018

加藤泉的作品特征鲜明——其轮廓普适，时而雌雄同体、四肢纤长且姿态诡谲，融合着植物属性，仿佛源自异端的灵性世界，又具有生长于土地的原始力量。这些普世而鲜活的视觉形象独立于东西方二元论的视觉艺术史分界，呈现出源自本土文化、带有宗教属性的自然观。

青岛千穗

青岛千穗在“超扁平运动”中是Kaikai Kiki 工作室的一员，她因为画作中奇异的都市流行生物和风景而出名。这也使她在不长的时间里跻身国际顶尖的艺术展览机构，风靡艺术市场，并得以应邀参与公共艺术创作，将影响力随之扩展到更广袤的空间。

青岛千穗，City Glow , 2005

她自村上隆Kaikai Kiki 工作室里从平面艺术做起后自学成才。在她的创作中，将西方文明与东方传统及当代流行时尚杂糅在一处，消弭了高雅艺术与通俗艺术的对立，使其艺术兼具趣味性、观赏性和娱乐性的同时，还表现出欢乐背后的不安与焦虑。

评论家凯西·西格尔曾说道：“在青岛千穗把她画作的尺寸扩展的同时，她也很好的扩展了它的内容，提升了更强的时间观念，让人能感觉到甚至在最现代图像和数码技术里还存留着古老的信息。”

青岛千穗，Moonlight on a Happy Mountain，2008

青岛千穗的艺术带有一种实验的性质，她的不同尺寸的数码喷绘，在不同的场地和不同的材料上，呈现出各种异质效果。此外，她还在雕塑、装置和多媒体等领域任意游走，以一种超现实的视域关注着这个现实的世界。

田中功起

田中功起的作品与那些具有深厚文化背景与逻辑能力的作品有所区别，充满着日常生活的特性和偶发性，作品中常常流露出对日常生活中短暂瞬间的兴趣。他创作媒介涉及影像、摄影、装置以及介入性项目，主要探讨日常生活语境下一些经常被我们忽视的生活习性和姿势。

田中功起，一件由五位陶作者同时完成的陶器（静默尝试），影像，75分，2013

在进行了十多年的艺术探索之后，田中功起于2015年获得了德意志银行“年度艺术家”奖项的殊荣。罗马二十一世纪艺术博物馆（MAXXI）的艺术总监侯瀚如在评选委员会的一份评选声明中写道。“田中功起是他那一代中，近十年出现在全球艺坛最具原创性的艺术家之一。作为对日常生活中最‘无稽’事件的敏锐观察者，他总是以幽默的方式将其奇迹般演变成有趣的事件，赋予开放而辛辣的意蕴从而揭示非比寻常的存在。”

田中功起，River, White，2008

田中功起的作品让我们重新看待日常事物，他对集体行为的艺术项目中的所产生的美学价值和艺术形式深感兴趣，并从中激发出参与者、观众之间创造力和想象力的交换与共享，鼓励人们走出日常，发生顿悟。